本文来自微信公众号： Wallpaper中文版 ，编辑：开博，作者：W＊
第64届米兰国际家具展将于2026年4月21日至26日在意大利米兰Rho展览中心举办。本次家具展的净展览面积超过16.9万平方米，共有超过1900家参展商（其中国际参展商占36.6%）、227个品牌参展，延续了全球最大同类贸易展览会的规模。
进入2026年，设计行业正处在一个飞速变化的阶段：生成式AI迅速进入创作流程，具身智能逐步参与体验，虚拟展厅、AR展示与数字孪生不断拓展设计的传播边界。图像、方案与场景可以被即时生成、无限复制，设计的呈现方式正加速脱离具体的物质现场。
当观看的动作变得前所未有地轻易，为什么身体的到场更显珍贵？当屏幕成为主要观看方式，当视听影像试图替代空间体验，一个实体家具展还能提供什么不可被替代的价值？处于这一技术转向的节点，2026年的米兰国际家具展，将通过一场集体的策展实践，重新丈量设计与身体、材质与空间之间那条正在被数字技术模糊、却从未消失的边界。
在高度技术化的当下语境中，设计的意义从何而来？2026年米兰国际家具展官方以“A Matter of Salone（物载其道）”作为宣传活动的主题。相较2025年以“Thought for Humans（为人类而思考）”为主题、聚焦人类与设计的深层联系，今年的主题进一步地回归到设计最基础的维度——材质本身，讨论设计的物质载体如何带给我们更深刻的思考。
材质作为承载设计的物质，既是可触摸、可阅读、可被阐释的存在，也储存着时间、工艺与使用痕迹，有着亟待挖掘的潜能。“A Matter of Salone”由Motel409发起，邀请摄影师Charles Negre、Eduard Sánchez Ribot与Alecio Ferrari，以及布景设计团队Studio Végété、Laura Doardo和Stilema Studio共同参与。本次宣传活动选择的每一种物料——石材、花瓣、木材、海绵，都对应着一项设计基本原则。
石材象征褪去浮华的“起源”。石材是建筑实践中最早被使用、也最重要的元素之一，因其坚固性而常常作为承重材料存在；随着钢筋混凝土结构的出现，石材逐步退出其结构功能，并在当代设计语汇中回归设计话语，被重新作为感官与观念材料使用。对石材的理解转变过程，本身就在挑战人们对坚固性的固有认知与探索。
花瓣凝聚“物质的感官之美”。19世纪末开启的新艺术运动让植物形态进入家具与室内装饰，花瓣作为装饰语汇融入家居设计之中。花瓣的自然纹理与色泽为设计者提供材料灵感，并在当代进入实验性设计，通过激光切割、油墨染色等工艺，将材料创新的前沿可能展现得淋漓尽致。
木材作为“富有生命力的物料”，象征着人类、自然与建筑之间的纽带。从整木雕刻到榫卯结构，再到工业化弯曲木、层压木，木材始终以其温暖的触感和色泽回应时代的工艺诉求。如今，在设计强调可持续性的今天，木材又因其可再生属性被赋予更多意义。无论技术如何更迭，钻孔、拼接与雕刻之中，木材始终释放出独特的表达潜力。
海绵则以其可变的体积感诠释“重塑与革新”。海绵在家居设计史中的登场，本质上是石油化学工业向家居领域的渗透。它的出现打破了“坚硬结构”的传统，使无硬质框架的全软体家具成为现实。可折叠、可压缩、可贴合，海绵以其形态的自由度，重新定义了家居与身体的互动方式：不是身体适应家具，而是家具回应身体。
正如Motel409创意总监Federico Grassi所言：“我们并非想要图解设计，而是希望唤醒设计：让人们通过视觉与感官去体验它，让材料自己诉说故事。”叙事结构以三幕式展开：第一幕以特写镜头捕捉材料的表层肌理与内在本质，第二幕简洁纯粹地呈现物料的原始形态；第三幕则聚焦人类动作与物料的互动，在触摸、雕刻、改造中，双手、工具与材料碰撞对话，将记忆、张力与创意愿景注入最终的成品。
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往届SaloneSatellite卫星展现场©Ludovica Mangini
我们正面临一个图像无限的世界，然而这种可视化的无限并不等同于物质经验的扩展。“物载其道”对材质的强调，实际上是在重新确认设计的物质根基：设计最终必须回到身体所能经验的世界之中。
这一“回到物质”的立场，也在第27届SaloneSatellite（卫星展）中得以延续。自1998年由Marva Griffin创办以来，SaloneSatellite始终为35岁以下的新锐设计师提供平台，许多后来在国际舞台上具有影响力的设计师都曾在此崭露头角，如Oki Sato、Sebastian Herkner、Patrick Jouin、Daniel Rybakken以及Ini Archibong等。通过展会获得的曝光、行业关注与合作机会，卫星展成为青年设计师进入生产体系和国际市场的重要通道。许多参展原型甚至进入生产，而由此积累的永久收藏品也成为洞察未来设计趋势的宝贵档案。
本届共有约700位青年设计师参展，来自23所国际设计院校，以“精湛工艺+创新”为主题，邀请观展者重新理解手工艺者的角色。在这里，手工制作不再被看作是前工业时代的遗存、视为工业体系的对立面，而是组织为一套可进入当代生产体系的设计策略。入选作品呈现出一种混合路径：天然材料与数字工具共存，在地技艺与可持续理念交织，手工制作成为一种自觉的创作方式。
这或许是一种自觉的减速。在现代技术驱动、生产不断加速的洪流下，“慢”不是无能的妥协，而是一种抵抗的姿态。手工的价值不在于它的低效，而在于它保留了物质世界中被数字流程过滤掉的偶然性、差异性与情感痕迹。正如卫星展所呈现的那样，循环经济、创作自主、文化身份与器物的情感价值，共处于同一价值系统之中，无法被高度标准化的工业流程所量化。
从年度主题到卫星展的策展取向，米兰国际家具展试图以“材质”作为重新组织经验的起点。在图像无限的时代，物质经验成为反复回归的锚点。那么，这些以物质为核心的经验，如何被转译为可被进入、被行走、被组织的空间结构？下一步的问题指向场景本身。
参与一个实体展览，本质上是进入一个可被身体丈量的叙事结构。观众在行走、停留与回望之间，逐步理解空间如何被组织、内容如何被有序呈现。信息碎片化的当下，这种结构性的体验本身就成为一种稀缺资源。
本届米兰国际家具展的核心脉络，正是将基于物质的体验从感官反应转化为可被辨识、记忆的空间秩序。由Leftloft设计的导览系统，以地铁线路图的逻辑重组观展路径，将复杂的展馆空间转译为可被理解的“城市缩影”。而在具体的展馆板块设计中，各展区以不同的方式整合观展体验。
A Luxury Way（奢华之道）展区提供了一个观察的起点。今年，巴黎工作室Maison Numéro 20推出装置作品“Aurea:an Architectural Fiction”（金色幻境：建筑虚构叙事）。作品以一个想象中的酒店作为叙事框架，但并非传统意义上的酒店，而是将室内设计转译为可被步入的“建筑小说”，营造一种总体的空间体验。
Aurea由一系列戏剧化空间构成，每一个空间都如同一段梦境投射。作品邀请观看者将自己视作旅人，穿过拱廊结构的梦之大厅（Hall of Dreams），进入包裹感强烈的天鹅绒沙龙（Velvet Salon）冥想，在禁忌绿洲（Forbidden Oasis）与漆面棕榈树相遇，然后进入东方式私宅的一千零一夜套房（Thousand Nights Suite），最后在午夜酒吧（Midnight Bar）的迷离夜色中结束探索。在房间与房间之间穿行之中，旅人们经历不断变化的氛围，进入“悬置的款待”中。
当空间本身成为叙事主体，而成为承载感官与情绪经验的结构，设计便不再是被观看的客体，而是可以被穿行、被感受、被记忆的情节。
这种以“场景”为方法论的传统，在米兰国际家具展的历史中绵延已久。2002年的“Grand Hotel Salone”以酒店房间为设计实验场景，邀请十位设计师在不同城市设想各自的客房；2004年由Pierluigi Nicolin策划的“Entrez lentement”，以八位当代建筑师与八位现代主义建筑师的对话为框架，每位建筑师以一座示范住宅参与展出；2018年的“Life in Vogue”则邀请设计师重塑编辑部的办公空间。
自2016年起，展会进一步通过大型跨界艺术装置，将场景从日常生活空间拓展为更具戏剧性与感官强度的沉浸体验。David Lynch的“Interiors”（2016）将电影叙事引入家具展，使空间成为一种可被进入的感官剧场。Marco Balich策划的核心装置项目“AQUA.A vision of the sea”（2019）借用米兰市区历史运河船闸这一城市遗产空间，以镜面水体与LED屏幕构建出对未来米兰天际线的想象。Robert Wilson创作的“Mother”系列展览（2025），则进一步强化了展会的策展属性与艺术表达，使其整体气质明显向艺术化、沉浸式与叙事化转向。
瑞士社会学家Lucius Burckhardt曾在1980年展望“明日之设计”，认为它是“一种自觉地将由物件与人际关系共同构成的、不可见的整体系统纳入考量的设计实践。”二十余年来，从设计师之家到办公空间，从酒店套房到杂志编辑室，再到与城市空间发生关系的艺术装置，米兰国际家具展持续将设计置入具体的生活语境之中，不仅展示物品，更展示物品与人的关系。
当场景已经成为高度成熟的设计展示手法，它如何从审美装置转化为可进入市场与项目体系的结构？本届展会通过两个关键板块的更新，对这一问题给出回应。
首次亮相的Salone Raritas家居孤品珍藏展落地9号馆，由米兰国际家具展主编兼文化活动顾问Annalisa Rosso策展，聚焦经典设计作品、孤品与先锋设计之作。25家国际参展商共同参与构建以收藏级设计为核心的结构单元，试图在画廊体系与专业项目之间建立更直接的桥梁。随着酒店、住宅与商业空间对独特性的需求持续上升，稀缺设计不再只是艺术市场中的符号，而开始成为空间身份构建的现实要素。
展陈空间由Formafantasma设计，以“建筑灯笼”为主题，外围墙体将被设计为一个发光体，在整个展会中清晰标示出Salone Raritas的位置：“我们将家居孤品珍藏展构想为一个清晰通透的建筑景观，一座以光线与韵律为展品服务的灯笼。该设计既让每个画廊能够彰显自身特色，又能形成协同统一的叙事氛围——兼顾观众的记忆点与市场传播效能。”
色彩始终是Formafantasma展陈设计中深思熟虑的元素。设计师始终反对现代展览空间中常见的“白盒子”（white cube）设计，认为“不必强行追求一种现实中并不存在的‘中性’”。本次Salone Raritas的内部空间也将采取一套相对克制的色彩方案，以低饱和度为主，辅以细微的重点色，让展陈物件与环境有机互动。在高度商业化的环境下，通过色彩强调观看节奏、平衡理解深度，本身就是设计师对展会语境的深刻理解：对收藏级设计的策展并非奢侈品的简单罗列，而是一种关于生产方式、文化位置与专业决策的讨论场域。
Salone Raritas参展画廊COLLECTIONAL，Plot 6 EWE and Manu Bañó
与Salone Raritas所指向的“稀缺性”并行，本届展会也为2027年Salone Contract商业空间展的正式亮相展开前置布局。作为长期战略项目，Salone Contract由OMA的Rem Koolhaas与David Gianotten操刀负责总体规划，关注商业空间家具从单一产品向系统解决方案的转型趋势。2026年作为这一重磅展的过渡节点，将通过讲座、国际论坛与贯穿展馆的主题动线，呈现商业空间设计在数据整合、服务能力与专业协同方面的结构性变化。后续还将展开面向核心市场的国际巡展，为2027年的专业展与行业论坛建立稳定的观众与合作网络。
Salone Contract的布局，意味着米兰国际家具展正在快速变化的市场中尝试解读与理解商业空间的复杂性，将其视作设计、技术、服务与运营共同构成的系统。策展的人物从展示物件转向构建结构，观众的体验也随之从局部感官转为对产业逻辑的整体认知。
设计从来不是脱离语境的形式创造，而是社会结构、技术条件与文化想象共同塑造的结果。如果说Salone Contract从行业层面回应了设计如何以系统方案介入商业空间，那么在今年回归的两个双年展中，我们可以具体地看到科技发展如何置于具体的使用场景、设计又如何通过空间组织反哺人的生活结构。
“欧洲厨房展与厨房科技展”（EuroCucina with FTK）聚焦前沿厨房设计，呈现厨房作为家庭生活核心界面的转型。一体化、多感官的设计理念正推动厨房变革，开放式厨房与客厅的融合、互动台面与隐形设备的普及让技术隐入背景；材料选择强调触感与可持续性，极简主义不再以理性冷感为导向，而趋向更具亲和力的自然尺度；智能系统开始整合光线、温度与声学环境，但并未取代厨房作为社交与记忆场所的文化属性；大型家电的智能自主性让设备融入环境。
科技、可持续发展与创新、智能系统、人工智能应用、亲生物设计等成为今年入选展品的关键词，但它们的价值不在于技术本身，而在于技术是否赋予用户更强的自主掌控力，让人们得以打造量身定制的氛围与空间。厨房形态的转型，映射的是家庭结构、生活节律与技术渗透方式的同步变化。
国际卫浴展（International Bathroom Exhibition），则由“舒适康养（Wellbeing）”的愿景驱动，具体落实为节水、卫生与耐用等可长期使用的结构性设计。照明与尺度设计强调安全与使用精度，智能系统则以“无感互联”的方式潜入日常；中长期的设计则更容纳系统性服务，并在预测性维护、远程协助、智能家居联动和AI氛围定制等趋势中得以体现。
单独的设计产品可以被检索、被收藏，却难以被组织成连贯的产业认知；而实体展会所做的，恰恰是将碎片重新编织为体系。无论是收藏级设计的策展、还是双年展的回归，本次策展均着力于搭建行业层面的设计系统，既让设计师看到产品如何嵌入空间，也让观展者理解风格如何与更大的潮流与生活方式变迁相匹配。实体展会要求观看者付出时间与身体的在场，而回报是一种更深层的认知：设计不是图像，而是关系；不是风格，而是结构。
2026年展会将再度在米兰设计周期间融入整座米兰城。理解这种融合，需要回到米兰设计周的特殊结构。与巴塞尔、威尼斯等艺术双年展不同，米兰设计周并非单一机构策划的产物。它由两个相互独立又深度交织的系统构成：一是由Salone del Mobile官方组织的展馆部分，二是被称为Fuorisalone（直译为“在米兰国际家具展之外”）的城市自发活动。
装置艺术作品“Bosco di Forestami”迎接2021年米兰国际家具展（Supersalone 2021）的参观者。
Fuorisalone的起源可追溯至1980年代初，一批意大利家具与工业设计公司希望在主展之外，在城区举办自己的展览与活动，以扩大展示空间、触达更广泛的观众。这种自下而上的扩散，经过几十年沉淀，逐渐形成一种独特的城市节日式设计现场。进入2020年代，Salone官方与Fuorisalone.it平台建立合作伙伴关系，两者从“主展+街头活动”的并列关系，发展为更强的策展联动与品牌协同结构。
当展览向城市延伸，这种行走的系统进一步放大。设计不再局限于展馆内部，而是与音乐、艺术、时尚与建筑交错展开，形成覆盖整座城市的临时性网络。城市在这一周内被转化为一个开放的实验场，设计成为公共空间中可被共同经验的文化事件。
今年将是展会连续第六年与斯卡拉歌剧院基金会展开合作。展会官方开幕晚宴将在斯卡拉歌剧院举行，届时由Michele Mariotti担任指挥，携手钢琴家Giuseppe Albanese呈现音乐会。展会标志性建筑Design Kiosk（设计亭）也将重回斯卡拉广场，成为展会在城市中的可识别地标，与米兰国际家具展立体标识同步亮相。
与K-Way合作的主题报刊亭落地米兰大教堂广场，作为城市设计路线的起点，引导观众通过Bianca Felicori设计的五个站点，以轻盈的织物装置重新解读米兰城市中的重要建筑，并围绕建筑、设计与城市出行展开对话。同时，超过200家参展品牌的展厅在设计周期间向公众开放，使“城市中的展会”成为全城参与的设计盛宴。
随着时间推移，Fuorisalone也逐渐超越家具设计本身，吸引了时尚、科技、艺术、汽车等多领域参与者加入，将米兰变成一个设计跨界的城市节日。这种分工使得米兰设计周既保有专业性、趋势定义与行业话语权，又具备开放性、多样性与公共参与性。
回到本文最初的问题：AI时代，我们为什么还需要一个实体家具展？当展览进入城市，当讨论跨越地域，米兰国际家具展早已超越一次行业集会，成为一种一期一会的文化仪式。它在与城市的联动中，将家居与设计从专业系统中释放出来，使其成为公众共同经验和感受的生活议题。正是在这种集体在场之中，实体展览在AI时代的意义得以被重新确认：它们将设计重新带回到人与城市、人与他人之间的真实关系之中。