本文来自微信公众号： T 中文版 ，作者：T China，原文标题：《让 McQueen 再次「与众不同」从来不是一件容易的事》
McQueen创意总监Seán McGirr来到上海的第一站，是东华大学。设计时堂内坐了70多位学生，兴奋而略带拘谨地向这位看起来与他们年龄相差无几的设计师提问。他穿着一件绿色条纹衬衫与牛仔裤，语气平静而专注。右脸颊的酒窝在微笑时偶尔显现。
「放下手机，去图书馆！」他说，「在书本里、摄影集里做研究，找灵感。」
「多用牛仔布做试验，那是最自由的面料。」
「想在国际上出头，要先清楚地知道你擅长的工艺是什么。」
「服装不仅是一种保护，而是用直觉、想象力为自己赋能。」
「即使灵感来自黑暗，时装最终应该带来兴奋，这是时装秀的作用。」
「我非常享受与学生们的对话。」在东华大学的分享结束后，他告诉我们，「我记得我还在中央圣马丁艺术与设计学院（Central Saint Martins College of Art and Design）念书时，Kim Jones、Olivier Theyskens来学校演讲，对我们的启发有多大。」如今，他也跟随前辈的步伐，成了一个启发后人的角色。
这不是他第一次来上海，但距离上一次已过去了10年。那时毕业不久的他刚开始职业设计生涯，跟着Christophe Lemaire一起在Uniqlo U学习精准的制衣技术，在Uniqlo的创意部工作。
「我当时对功能性的东西很感兴趣。你能在那里学到各种规则，知道完美的衬衫是什么样的。然后我去了Dries Van Noten，感谢他雇了我。我真心觉得他是史上最好的设计师之一。」McGirr参与的首个系列就是Dries Van Noten与Christian Lacroix的合作系列。「不可能比这个组合更『复杂』了，哈哈。」McGirr笑道，「Christian会来安特卫普和我们一起试衣。他太棒了。如果你在某件衣服上放一个蝴蝶结或缎带，他会说，就这么做，大胆地尝试。我感觉从那时候开始，我的创作力开始被强烈地调动起来。」
随后，McGirr入职JW Anderson，与Jonathan Anderson共事，起初是男装总监，最后负责男女装成衣系列。作为年轻一代的明星设计师品牌，JW Anderson更偏好对身体的概念性处理，以策展的方式构思系列、打造品牌并吸引追随者。这种有别于传统的创作方法，也成为当代的新范式。
先后任职于多个品牌的经历塑造了他对青年文化、设计师语言、街头风格以及视觉文化的敏感度，使他更像一位「文化观察者与转译者」，而非传统意义上的高级时装设计师。
两年前的春天，McGirr在巴黎开启了作为McQueen新任创意总监的首秀。一位相对低调且大众知名度较低的设计师，突然接手一个具有强烈创始人印记的品牌，让他的处境既敏感又充满不确定性。大众的期待和质疑让这场秀格外受关注。
2010年，传奇设计师Lee Alexander McQueen骤然去世，与他工作多年的得力助手Sarah Burton继任为McQueen的创意总监。在她的手上，McQueen稳定发展成一个富有浪漫气质的同时，又强调卓越手工艺并在一定程度上保卫了英伦式奢华的成熟品牌。2023年，Burton卸任，创意权交到McGirr这位来自爱尔兰都柏林的年轻人手上。
McGirr在McQueen的首秀更像是一次被放大检视的「入职证明」。这位与品牌历史没有直接师承关系——虽然他同样受教于Lee的导师Louise Wilson——的创意总监，面临的压力远不止于系列本身，还有如何在Burton稳定而成熟地带领McQueen 13年之后，重新定义McQueen的时代性,让尚未能亲眼见证创始人作品及其秀场、在社交媒体中成长起来的年轻一代，重燃对Lee这位「疯狂的天才」的热情与追捧。
这也成了McGirr首秀最核心的隐性命题：如何在不单纯复刻的前提下，延续由创始人塑造的、带有强烈情绪与文化冲击力的遗产？
首个系列以伦敦东区为灵感，参考了Lee第五个系列「群鸟」（The Birds）的黑暗张力，构建出一种带有都市阴影的叙事氛围。廓形以剪裁见长：收紧的腰线勾勒出身体曲线，肩部结构锋利而略带雕塑感，西装外套线条干净利落。紧身胸衣贯穿始终，与修身长裙结合，形成刚与柔之间的对比。而豹纹、黑红色调与紧身胸衣的反复出现，则为整体注入了一种若隐若现的攻击性与感官张力。材质上，挺括面料与轻盈织物带来了结构感与流动性的对照。
然而，与过往McQueen秀场的戏剧性爆发力不同，这种张力在此被刻意收束。它不再试图制造震荡，而更趋向于一种可被理解，甚至可被穿着的表达。服装轮廓趋于日常，造型逻辑更加完整，系列整体呈现出一种明显的「产品意识」。在多方评论中，这一变化被解读为品牌从视觉奇观向现实衣橱的转向。
《纽约时报》的时尚总监Vanessa Friedman直言，这场首秀「费解且令人失望」，认为其表面充满能量，却缺乏McQueen一贯的深度与挑战性。知名评论人Tim Blanks在《时装商业评论》（The Business of Fashion）上则给出更中肯的判断：McGirr某种程度上完成了自己的目标——将品牌拉回伦敦街头与早期反叛语境，并且诠释了他追求的「粗犷戏剧性」。面对褒贬不一的评价，McGirr引用了Lee本人对批评的一贯回应：「我宁愿人们讨厌我的作品，也不愿他们对此漠不关心。」
坐在上海苏州河畔的咖啡厅里，McGirr向我们回顾起那段在不到两个月的时间里要交出第一张成绩单，压力爆棚的日子：「我其实希望当时有更多时间。但我非常喜欢那场秀，我深深地喜欢它，因为它并不完美。」那是他对重塑经典的挑战交出的本能性的答卷。
「我刚开始不敢相信这是真的，而且我必须保密很久。」McGirr谈及接受任命时说，「我想我一直在试着消化这件事。这非常难熬，因为我其实很兴奋，这个品牌太有标志性了，我居然有机会来建构它！」他继承的是时尚界最具悖论的遗产之一：一个曾经是突破常规的代名词，如今却隶属于一家上市奢侈品集团的品牌。他如何应对并持续权衡这种紧张关系？「我先从大的概念入手，试着去理解Lee的价值观。他看重什么？他想表达什么？这让我想到，他所做的一切都是关于无所畏惧，关于了解自己，也坚定地相信自己。」可以感觉到，他这样理解仿佛也是在给自己打气。「Lee的作品一方面非常精致、非常考究，因为他有萨维尔街（Savile Row）的缝纫背景，但与此同时，他也带来了很强的攻击性和无政府主义感。McQueen的魅力就在于此，很强烈的态度与张力。」他说。
在吸引与排斥、精致与粗犷之间，Lee以其近乎激进的方式探讨身体、权利与身份，解锁阶级意识与帝国主义的暴力，同时不停通过对大自然的原始生机与繁美的探索寻求救赎。Lee的作品往往带有不安甚至对抗的意味，而在McGirr的处理下，这些元素被重新编码：危险感与冲突力被平衡降低，转而成为一种更符合当代性的视觉文化，一种强与弱、力量与柔美相间的「可读性」。
「我先试着解读这种精神，过了几季之后，我开始真正思考：现在的McQueen女人是谁？McQueen男人又是谁？」McGirr继续道，「我本人自然会被青年文化吸引，所以我试图在我的系列中融入一种年轻的灵魂，唤起『内在野性』，展现青春活力。」
McGirr出生在爱尔兰都柏林的郊区，成长于千禧年代。青少年时期的他经常去伦敦看乐队演出。东伦敦，午夜地下俱乐部，带有粗粝感的灯光闪烁着，身处其中的社会边缘亚文化群体对他产生了很深的影响。「那时候的卡姆登镇（Camden Town）一带，有很多EMO、哥特青少年，各有各的打扮与表达。我被那种东西深深吸引了。我会去关注我喜欢的音乐人穿什么——很多时候，他们穿的是Hedi Slimane时代的Dior Homme，或者像Kate Moss那样，穿着Lee设计的海盗靴在俱乐部里穿梭。我特别喜欢那些男男女女。某种程度上，我现在为McQueen做设计时，心里想的仍然是我从小视为偶像的那一代人，千禧年代初的那些偶像。」
McGirr第一次看到McQueen是在爱尔兰Brown Thomas百货公司，也是在这时，他的祖母——一位百货公司橱窗设计师——送给他一台20世纪50年代的缝纫机。透过喜欢的乐队人物，McGirr知晓了Slimane的设计风格，并迅速决定把自己的校服改成与Slimane标志性Dior Homme修身廓形相匹配的款式。
「我从小就对衣服特别着迷。我十三四岁就会去买奇怪的古着，用缝纫机把它们拆开重组，剪掉袖子之类的。我还会改校服，因为我不喜欢那个板型。」McGirr回忆道，「我想那是我和衣服的旅程的真正开始。那更多是关于我自己，关于我喜欢穿什么，我觉得那就是一种自我表达。它们给我力量，让我在那一天成为我想成为的人。」
McGirr的剪裁功力备受好评，他擅长在传统英式剪裁框架中引入轻微的错位与压缩——肩线略微前倾、腰部收束更贴近身体、比例被刻意拉长或下沉，从而制造一种不稳定却可穿的力量。这种处理既保留了结构的锋利感，又避免了过度戏剧化的雕塑感，使服装从视觉震撼转向身体经验。这源于他对制服的喜爱。「我觉得它们（制服）非常美，非常精确，就像一件件精密的物件。」此时，他身上穿着一件有军装绳结扣细节的黑色皮夹克，「所有的西装剪裁其实都源于军装。服装的结构形式——如果追溯历史的话——永远都能回到军事服装上。我喜欢研究军装，也源于它象征着控制，也暗含了叛逆。我既被那种精确性吸引，也有一种想要去打破它的冲动。我想我总是在试图与被告知的事物作对。」
尽管如此，在创作理念上，McGirr明确展现出与品牌创始人不同的方向。他并不试图复制过去那种高度戏剧化、情绪强烈的秀场表达，而是更强调服装的「可穿性」和现实意义。这种立场既是对当代市场需求的回应，也是一种去神话化的尝试。置身当下的奢侈品体系之中，设计不仅是表达，也关乎结构与持续性。McGirr展现的，是一种更为现实的路径——在尊重品牌基因的同时，使其重新进入日常语境，建立与当代消费者的连接。
McQueen位于伦敦的档案室是品牌的核心创意中心，保存着创始人早期珍贵的素描、设计草图及经典作品。McGirr常在此研究McQueen早期作品中那种知性、古怪且带有侵略性的风格。「我觉得档案馆是我最大的，也是最好的资源——除了我自己想带给McQueen的那些故事之外。档案馆就是我的资源库。通常，我每开始一个新的季度，都会先想，他过去做了哪个系列？我会把那个系列作为我的锚点，然后从那里出发。」他以2026春夏系列为例：「那场秀很大程度上是基于电影《异教徒》（The Wicker Man，1973）里的意象，但同时我也在想2003春夏系列『海盗』（Irene），就是有那些靴子和军装夹克的系列。」这个系列的主题极具McQueen风格——关于信仰、性与自然。
在这个系列中，他探索了当代化的军装外套与束胸衣，重新推出了当年如同那部电影般邪典的露臀低腰裤；降落伞形超大裙摆的真丝礼服，透明雪纺与喷漆礼服上绽放的昆虫和火焰图案，唤起了千禧年初的浪漫情怀，既野性又华美。他认为这正是自己与Lee之间的联结，毕竟他们二人都痴迷于影像叙事，且深受《异教徒》启发。「档案馆里还保存着很多Lee的原始研究资料，里面有很多《异教徒》的截图。」他说。
在McGirr看来，这种设计契合了弥漫在电影中的黑暗性感氛围，也与新一代的穿衣风格相呼应。「现在的文化氛围真的很像那个时期的女孩形象。创意总监的工作需要非常深入地融入当下的文化，这样你才能理解档案里的东西，并且预判接下来可能会发生什么。」他试图以此映照当代年轻人对身体的认知：一种解放、自由、从容的态度。这是他熟知又钟爱的伦敦女孩的模样。而这份浮动在空气中的性感气息，则由经水洗处理的蕾丝束胸上衣和半裙、精致的古典系带和破损的布料边缘展现。
「我觉得伦敦就像是McQueen跳动的心脏，是它的支柱，是它的脊梁。这很大程度上是因为Lee出生在那里，在那里工作，他的一生都在那里度过。而且我也正是在那里找到了自己的声音。」McGirr说。
身为爱尔兰人的McGirr与生于苏格兰的Lee都有凯尔特人血统，广泛意义上展现了英伦风格的复杂性。但McGirr并没有后者那种对黑暗的迷恋与愤怒激发的创意冲动。「但是爱尔兰人吧，至少我这一代，都痴迷于讲故事。」McGirr解释道，「我是一个爱做梦的人，一个讲故事的人。我喜欢民间传说，喜欢神秘主义。所以如果你问的是，我有没有像Lee那种他投入作品中的痛苦？我觉得我没有。我是一个比较浪漫的人，但我喜欢黑暗和黑暗的故事，喜欢恐怖电影，喜欢这个世界上扭曲、奇怪的东西。《驱魔人》（The Exorcist，1973）是我最喜欢的电影。伦敦有一些很棒的书店，专门卖巫术相关的书。我也很喜欢收藏关于神秘学、巫术之类的书籍。」
他从自己的爱尔兰血统中汲取灵感，为女妖这一饱受恐惧和迷信折磨的生物注入了新的活力。「女妖一直是我童年想象的一部分。」他解释道，「它象征着强烈的自我表达，一种解放自我、与他人建立联系的力量。」McQueen 2025春夏系列探索了女妖的主题，也向Lee的1994秋冬系列致敬。这种回归本源的理念，巧妙地融合了经典剪裁和精湛的手工技艺。压轴亮相的造型更是令人瞩目。这件连衣裙由串联的闪亮金属制成，从模特头部包裹缠绕倾泻而下，行走在雾气中，「垂落的卷须缠绕着光。」这场秀让他对女妖，对McQueen的全新诠释成为一种「指导力量」。
针对McGirr首秀之后的几个系列，行业媒体开始给出「原始奢华与商业感相平衡、品牌持续向前推进」的评价，也表明他开始在McQueen的历史语境中找到更具操作性的切入点。尤其是在2025秋冬系列中，这种「既具销售潜力又保留品牌张力」的平衡被反复提及，评论指出，该系列在戏剧性与可穿性之间取得了更清晰的结构性进展。
今年3月，McGirr在巴黎带来了最新的2026秋冬系列，通过「面具」这一核心意象切入，呈现出一种近乎「人造完美」的形象。McGirr明确提出一个当代命题：「我们始终在线，被观看、被塑造、被消费。」在这种持续表演的状态下，个体被包裹在自我建构的「外壳」之中。因此，这一系列的重点不在外在装饰，而在「揭开表象之后」。
从人字纹夹克、毛呢外套到半身短裙，整体长度被统一推至膝上，呈现出更轻盈、更属于当下女性的视觉节奏；睡衣式外套被转化为晚礼服，蕾丝与欧根纱层叠交错，在McQueen标志性的锋利剪裁之下，流动的褶皱与波浪状下摆使整体氛围趋于松弛而浪漫。一件短夹克上的「羽毛」实则用丝绸手工刺绣而成，看上去像锁子甲的金属上衣或戏剧感的面具也尤为醒目。材质与廓形在空间光影里交织，在流动和塑形、严谨和浪漫之间建立起一种微妙的张力与平衡。
尽管系列的整体风格鲜明体现了McGirr的个人特色，这位爱尔兰设计师还是从档案库中汲取灵感，回顾了过往经典系列的标志性元素。例如，他借鉴了2006秋冬系列「卡洛登的寡妇」（The Widows of Culloden）中晚礼服的蕾丝元素：在这里，蕾丝被包裹在轻盈的欧根纱和雪纺层之间。他从1996秋冬系列「但丁」（Dante）中汲取灵感，打造出萨维尔街式的剪裁，并参考了其中一款军装风格的战壕裤；1995秋冬系列「高地强奸」（Highland Rape）则为他提供了低腰裤的设计灵感，新系列中的低腰裤采用皮革和牛仔面料，并配以心形下摆。
过去两三年间，奢侈品牌正经历一轮显著的代际更替。从Gucci到McQueen，再到Burberry，一批更年轻的创意总监被推至前台。这一转变不仅关乎人事更迭，也标志着创意总监角色本身的重构：其核心任务，已从「创造风格」转向「管理遗产与驱动增长」的双重命题。他们从品牌档案中提取具有辨识度的视觉资产，在忠于既有语言的前提下，将其转译为能够被当代，尤其是年轻一代所理解与消费的风格表达。John Galliano或Lee代表的「作者型天才」，曾以高度个人化的创作回应时代，甚至塑造时代议题；而今天的设计师，更像是系统的构建者与调和者——他们面对的，不只是审美问题，还有品牌作为文化资产与商业结构的整体运作。
在奢侈品市场增长趋缓、传播高度数字化、文化日益碎片化的背景下，这一代创意总监必须回答一个更为现实的问题：品牌如何在持续被消费的同时，仍然保持意义？于是，「可穿性」「清晰度」「产品导向」成为主流策略。但随之而来的疑问也愈发尖锐——当一切趋于理性与效率，时装是否正在失去其原有的实验性与文化前瞻性？
另一种可能的解读是，这并非衰退，而是一种结构性的转向：从单一作者叙事，走向更为去中心化的文化生成机制。品牌不再是由一位「天才」主导的表达装置，而逐渐成为汇聚多重身份、社群与视觉经验的平台。
在这样的语境中，McGirr的实践可能是某种典型，但仍处于尚未定型的阶段。他尝试将Lee构建的张力与不安，转译为一种更具当代可读性的力量结构，使McQueen这个品牌逐渐从极端表达走向更日常的语境。然而，这种转译究竟是有效的延续，还是某种程度上的消解，仍有待观察。而这一不确定性本身，或许也正是当代时尚最真实的状态。