本文来自微信公众号： Hi艺术 ，作者：Hi艺术，原文标题：《不谈虚的！七场“湾区艺谈” 干货炸场》
2025年12月18日至20日，由ARTGBA主办，华艺国际和魔灯院协办，《Hi艺术》策划的“ARTGBA Voice湾区艺谈”于「魔灯当代」艺术博览会现场精彩呈现。为期三天，共设七场论坛，议题涵盖从非标准化收藏的真诚坚守，到美术馆的在地叙事，再到设计与艺术的跨界共振，以及超越交易逻辑的市场生态构建，亦有来自柏林的特别分享。众多行业领袖与学者齐聚广州，在思想的交锋与对话中，为湾区艺术生态注入新的视角与启发。
论坛正式开启前，广东美术馆馆长、广东省美术馆协会会长王绍强从学术建构、艺术展览、美术馆运营、艺术生产以及艺术市场等多个维度，梳理了大湾区艺术生态的整体面貌。
「魔灯当代」艺术博览会创办人Tim Lee在开场中指出，除了博览会等商业活动之外，他希望能够推动更多非营利性项目的实现，从而更好的服务公众、服务艺术生态。同时，他也希望通过这些实践能为整个大湾区的艺术生态提供持续的支持与连接。
12月18日的前两场论坛以“非标准化收藏的N个样本”为主题，将焦点投向藏家群体。当代艺术的实验性与开放性，决定了收藏从未存在固定的范式。“非标准化”的收藏，意在回归收藏的本真——不依附市场名单，不受估值体系所限，而以个体真实的审美判断与精神共鸣为出发点，回到对艺术纯粹的热爱与尊重。论坛邀请了七位藏家以各自的实践经验与收藏故事，回应当下艺术生态中“非标准化收藏”的多重命题。
首场论坛由《Hi艺术》主编罗颖主持，嘉宾包括李纳（藏家）、眭群（剩余空间主理人）、苏阳（藏家/CrossFit Moo董事长）与田歌（藏家）。对谈围绕藏家的个人收藏经历展开，呈现出多元而独立的思考路径。
苏阳首先以图像的方式梳理了自己的收藏故事，并以“锁定”“追加”等投资语汇提示出收藏过程中理性与策略的一面。他提到，市场价值在其收藏判断中占据重要位置。当市场资金充裕时，往往更难辨别作品的真正价值；而在经济低迷的时期，才更能看清哪些艺术家的创作真正具有意义。他认为，市场的起伏反而帮助藏家重新校准判断的尺度。在展望未来时，苏阳也表达了对2026年中国经济的信心，认为文化产业蕴藏着非常大的机会。
李纳则从家庭熏陶谈起，回溯了自己的收藏起点。她认为，收藏除了出于兴趣，也是对艺术家与艺术生态的支持。她分享了自己选择作品的三个标准：首先是艺术家扎实的绘画基本功；其次是作品中所蕴含的观念与思想所带来的共鸣与启发；最后是作品兼具学术与市场价值。她强调，藏家需要保持独立判断，与艺术家保持适度距离，以免情感影响判断，而真正重要的，是在作品中获得自我延展与思考的空间。
田歌的收藏则源于家庭背景与传统文化的影响。相比当代艺术，他更多关注传统艺术与文化属性。他认为，收藏的核心是对文化的尊重与研究。辨别真伪本身要求藏家对历史典籍和文献有深入的理解。多看少出手，本身就是一种积累与学习的过程。相比市场热门艺术家的追逐，他的收藏方式更接近一种理性而克制的思考，并强调知识与经验的积累对于判断力的塑造。
论坛最后，罗颖总结指出，收藏需要热爱与信念，也需要理性与投入。虽然，艺术品的市场价值因为具备可量化的数值更容易形成共识，但其真正的价值往往来自文化层面的共鸣。艺术品能带来一种陌生而新鲜的感受，为人提供情绪与精神的滋养。藏家以低调而坚定的方式进入艺术世界，在理性与感性之间找到平衡，也正是在这种持续的投入与理解中，收藏逐渐成为个人精神经验与公共文化价值之间的连接方式。
第二场论坛由ArtAlpha艺术阿尔法创始人李熠主持，邀请嘉宾曹吉祥（萃舍云集联合创始人/M+新艺术委员会委员）、商悠然（藏家）和程城（分众传媒联合合伙人）三位藏家进行对谈。论坛以“非标准化”这一关键词为核心，旨在重新审视当代艺术收藏的价值构成与判断体系。三位嘉宾从个人经验出发，分享了他们在理性与感性、体系与直觉、学术与市场之间的思考与实践。
曹吉祥认为，虽然基金会或美术馆的收藏体系正在业界树立起标杆，更多这种“标杆”或“准则”，更多是一种参照，而非必须遵循的规则。无论是个人收藏还是机构收藏，更多应该来源于自身的判断。位于南京的“萃舍云集”从创立之初就有意识地以机构逻辑而非个人积累的方式运作。他坦言，自己并不以个人偏好为导向，而是从系统建构出发思考收藏方向，虽然这个过程并不容易，“要躬身入局，才能有基本的判断。”在谈到如何决定收藏作品时，曹吉祥把收藏艺术比作“戴着镣铐跳舞”，需要在理性和感性的博弈中前行，有约束地进行选择。
商悠然来自深圳，作为个人藏家，则更关注收藏作品与个人情感和生活经历的链接。她所理解的“标准化”是一个逐渐被定义的过程。在七年的收藏实践中，她逐步建立了清晰的收藏脉络，并专注于女性艺术家的创作。谈到如何建立自己的标准时，她回顾到，只有对艺术史的演进有系统的理解，才能更有意识地介入当代艺术，而不被二级市场的波动与外部评判所左右。她强调“多看”的重要性，同时认为懂得“可以收藏什么”同样关键——在有限资源下，选择那些真正打动自己的作品，是最具个人性的判断标准。
程城提出了自己反向的收藏标准——“知道自己不要什么”。他指出，有很多作品都值得为之心动，但个人的财力、认知、拥有的时间和空间都是有限的，能够判断自己不要什么，比选择什么更难得。程城长期关注中国当代艺术，他从同学、同代艺术家的作品开始收藏，这既是一种情感补偿，也是一种支持中国当代艺术的方式。在建立起以同代艺术家为核心的收藏体系的过程中，程城也谈到作为藏家的社会责任——在艺术生态中，与年轻艺术家共同成长、共同参与。他指出，收藏首先是情感消费，其次才是投资。新手入场，不必想太多，先看作品是否适合自己的家、能否带来快乐、是否具备“礼物属性”，即使多年后不再喜欢某件作品了，那仍然是一件有意义且体面的礼物。
李熠总结到，“非标准化”的收藏常常从个人情感和个人对艺术的判断出发，逐渐形成偏自我化的收藏方向，它满足的是精神层面的追求，同时也承载着对特殊议题的探讨。而“标准化”与“非标准化”并非绝对对立的两极，两者之间存在着相互渗透与影响。正是从这些非标准化的个体实践出发，我们得以重新认识标准的意义，也为未来的艺术收藏提供了更具启发性的参考路径。
第三场论坛以“从柏林到大湾区—跨文化收藏的新趋势”为主题，由往来文化的创始人龚迎春，邀请李怡燃（柏林驻华首席代表）、Tereza de Arruda（哈瓦那双年展策展人/圣保罗建筑双年展策展人/景德镇陶瓷艺术双年展策展人）、Charlotte Eschenlohr（艺术家）和梁睿哲（柏林MET画廊主）四位嘉宾。在30分钟的高密度交流中，以多点切入的方式探讨当代艺术跨区域流动所带来的价值转变。讨论围绕城市叙事、艺术家实践与文化外交的交织展开，呈现出一个多层次的观察视角。
李怡燃以柏林驻华商务联络处的机构职责与定位为切入点，指出文化、艺术与创意经济是柏林这座城市的灵魂。她提到，柏林作为欧洲先锋与实验艺术的高地，与政府长期的公共资助与制度保障密不可分。广州作为粤港澳大湾区的核心城市，凭借强劲的经济支撑与完善的美术馆基础设施，近年来艺术交易与收藏生态日益活跃，收藏群体也不断扩大。柏林与广州在文化与艺术领域的交流潜力巨大，“往来文化”可以成为两地在当代艺术领域沟通与合作的重要桥梁，推动跨区域艺术生态的共同成长与互动。
来自德国慕尼黑的艺术家Charlotte Eschenlohr分享了她在中欧两地的创作经验。她表示，尽管文化背景与观众语境不同，但艺术交流的本质是共通的。在中国举办展览的经历让她感受到艺术作为一种语言，可以跨越国界。她的作品在不同文化环境中获得新的生命，这种多样的反馈反而让创作更有延展性。艺术的国际流动不只是展览迁移，更是一种经验、记忆与思想的共享过程。
旅居柏林的国际策展人Tereza de Arruda分享了她组织策划的Mürow城堡艺术家驻留项目。她介绍到，这个艺术家驻留项目不要求艺术家必须产出作品，而是鼓励他们在跨文化的语境中自由探索与交流。参与艺术家来自中国、日本、巴西、美国等多个国家，不同背景的创作者在共同的生活与研究中激发了思想碰撞与合作。Tereza强调，驻地的意义不仅在于创作，更在于建立信任、拓宽视野，让艺术家跳脱既有安全区，进入真正的国际对话空间。
来自柏林的画廊主、策展人梁睿哲分享了他在数字艺术与AI生成艺术领域的实践。他的画廊自2013年成立以来，专注于影像、装置及技术艺术的展示与收藏。他指出，AI艺术的收藏逻辑正在改变传统范式，这种收藏不依附于物理载体，而是通过版权、算法和数据结构来实现。杨睿哲认为，区块链的应用解决了数字艺术在长期保存与转让中的信任问题，使作品的版权与流通过程可被追踪，从而形成新的市场机制。他强调，未来数字艺术与AI生成艺术将成为收藏体系中不可忽视的重要板块。
龚迎春在总结发言中谈到，柏林与广州在文化生态上具有天然的互补性——前者以思想自由与制度创新见长，后者则以市场活力与在地文化根基著称。她认为，两座城市之间的交流不应仅停留在展览层面，而应深化为持续的机构合作、驻地互访与艺术家共创。跨文化收藏的意义，不在于形式上的互通，而在于如何在多重语境中重新定义价值判断。
第四场论坛以“从地理湾区到艺术湾区，美术馆机构在行动”为主题，从地理概念的湾区，到文化活力的艺术湾区，不仅仅是名称的变化，更是一种艺术生态的成长。本场论坛由广州美术学院美术馆馆长陈晓阳担任主持，邀请万丰（亚洲协会香港中心艺术馆及展览主管）、邵舒（和美术馆执行馆长）、赵趄（广东时代美术馆馆长）和陈敬元（香港逸东酒店文化总监）四位嘉宾，共同讨论美术馆如何在地方性和区域性之间展开行动，在不被地理边界限定的同时，持续生成具有现实关照和公共意义的文化动能，从而共同编织一个多元、互联、充满活力的湾区文化网络。
万丰分享了亚洲协会香港中心与社区互动的经验。该机构总部设于纽约，在全球拥有16个分部，其中香港中心在亚洲区域扮演着重要的文化枢纽角色。它的工作早已超越一般的艺术展览与文化活动空间，更关注如何在政治、经济与文化层面连接东西方。
鼓励社区参与和促进教育始终是亚洲协会的核心使命之一。如何将深度的文化、政治与经济议题，转化为社区能够理解与参与的公共内容，是机构长期关注的重点。自2012年成立以来，亚洲协会香港中心已举办逾三十场展览，并通过学者对谈、社区计划、青少年教育和少数族裔合作等方式，持续拓展艺术的社会影响力。同时，他们也会为经济状况相对不佳或少数族裔群体开设专属观展时段与教育项目，让艺术的公共性真正渗透到更广阔的社会层面。
同时，步入第五年的和美术馆仍在不断拓展观众边界，成为全国首家允许宠物入内的美术馆，从老人、儿童到特殊群体，升级多元参观体验，让不同人群都能在此找到属于自己的文化空间。他进一步谈到，和美术馆正积极重塑当代美术馆的功能认知——从展览生产走向文化服务与社会参与。美术馆甚至设置了大堂经理的角色，为观众提供“酒店式”的服务体验。邵舒馆长强调，真正的社区艺术不应只是“短期介入”，而应成为生活的一部分——艺术家需深入社区，与居民建立关系，共同创造持续性的文化体验。
扎根本地的广东时代美术馆在十余年的发展中，始终将自身视为艺术生态中的“土壤”与“养分”。馆长赵趄介绍到，广东时代美术馆从早期隶属于广东美术馆，到2010年独立运营，逐步形成了以“研究—展览—出版—生态建设”为核心的多层结构。时代美术馆在推动当代艺术生态的同时，也致力于建构南方艺术的叙事体系，尤其关注珠三角地区的艺术实践与研究，持续探讨地方性、实验性与国际化之间的互动关系。
除了展览本身，广东时代美术馆更重视展览背后的研究逻辑与持续性推动，从艺术家个案到影像档案整理、从青年艺术家支持计划到收藏家社群的搭建，形成了一个开放、互生的艺术生态网络。它以“南方视角”回应当代艺术的发展格局，既扎根本地，又保持开放。赵趄认为，生态建设不仅关乎展览数量与规模，更是一种对机构责任与艺术公共性的自觉实践。通过不断生成的项目与行动，时代美术馆以持久的在地能量与开放姿态，成为推动大湾区乃至中国当代艺术生态的重要力量。
“自我地貌”展览现场广东时代美术馆2025
摄影：李昕蔚
“自我地貌”展览现场广东时代美术馆2025
陈敬元分享了逸东酒店“使命先行”的酒店品牌理念，探讨酒店如何成为文化与社区交织的公共空间。他谈到，逸东酒店自2018年品牌重塑以来，就尝试在商业运营与社会价值之间取得平衡，将部分收益投入文化艺术与社区建设之中，支持艺术家创作、非营利组织运作以及多元社群的发展。
他介绍到，逸东酒店在香港与华盛顿设有分部，其中香港的空间由原有酒店建筑改造而成，内部设有画廊、影院、广播电台与音乐空间等，为本地与国际艺术家提供驻留与展览的平台。艺术空间Tomorrow Maybe以当代艺术为核心，聚焦香港的文化叙事，并通过与海外艺术家的合作，探索历史、身份与全球化的关系。
逸东酒店的文化实践不仅限于展览层面，更重视与社区的互动。酒店内汇集了非营利机构与社区组织，通过艺术项目、公共展演与社区活动，逸东酒店逐渐形成一个跨界、包容且具有社会意识的文化网络。它让艺术融入日常，让社区找到归属，在城市更新与文化生态之间建立持续的对话。
陈晓阳最后总结到，大湾区从一个以地理区位和经济协同为核心的空间概念，逐步被赋予文化想象与艺术实践的深层内涵。作为文化生态中的关键节点，美术馆机构在其中所扮演的角色也正在发生变化。
今天的美术馆不再仅是艺术品保存和收藏的场所，更是作为具有公共属性的文化行动者。美术馆可以为社会、为不同的人群提供更多交流互动的机会，并为周边的居民带来互相支持和滋养的可能性。进一步来看，不管是对于历史悠久的机构，还是对于新出现的艺术机构来说，陈晓阳认为观众人群的知识结构、生活方式以及他们的媒介交流方式都发生了显著的变化，有了更多的诉求。与这些变化并行的是，美术馆也正在不断整合来自于地区、官方、商业、文化和各种公益机构的资源，再不断通过这些资源去激活今天的展览，并且致力于在在地化和国际化之间取得巧妙平衡。
第五场论坛以“美术馆机构如何讲述当地的故事？”为主题，由X美术馆馆长尤洋担任主持，邀请孙莉（A4美术馆馆长）、晏燕（今日美术馆执行馆长）、马豪（越美术馆馆长）和陈籽亦（START星美术馆副馆长/星出版社总经理）四位进行交流，五位馆长分享了来自北京、上海、成都、烟台的在地实践案例，为“美术馆如何讲述当地故事”提供了鲜活答案。
每座城市的文化肌理中都蕴含独特的精神密码。当代美术馆不仅是“城市记忆容器”，更是深度参与和叙事创造的平台，通过当代策展语言将地域特质转化为可感知、可讨论的公共文化现场。
在解读完主题后，尤洋围绕在The Pool by X Museum的三次策展实践，探讨了美术馆机构如何讲述当地故事的可能路径。从“芝兰——都市园林一隅”“泳池旁The Pool by The Pool”“惊奇的房间——27位创作者的造物实践”三个策展案例出发，尤洋展示了空间如何被理解与使用。他强调，20世纪以来，艺术家和策展人对既有空间体制的不满促使空间形式不断演变，这种演变不仅反映了创作与展示方式的变化，也体现了跨文化与东西方比较的实践方法。尤洋将策展视为一种多维度的实践，既关注作品展示，也关注观众的体验、知识生产和环境意识的培养，这三者在实践中相互交织。
尤洋指出美术馆不仅是艺术展示的平台，更是讲述地方文化与社会脉络的媒介。通过对空间、文脉和物质文化的综合梳理，策展人可以在尊重历史和地域特色的同时，创造出具有当代感的艺术体验。同时，他也坦言，从环保角度来看，并非所有展览都具备存在的必要性。他呼吁坚持“公众体验、知识生产与环保意识”三位一体的价值导向，使在地故事的讲述既富有文化深度，又兼顾社会意义与公众参与。
自开馆以来，A4美术馆从单一综合馆成长为拥有艺术展览、儿童空间、艺术中心与驻留项目，形成以“用艺术连接人与人，激活创造力”为核心理念的文化集群。孙莉强调，美术馆不应只是展示作品的空间，而应成为连接艺术家、社区居民、儿童与不同社会群体的“关系生产者”。通过“成都Chengdu”“成都嘻哈”等展览，孙莉进一步阐释了A4在社区艺术、公共教育、艺术驻留与城市文化网络建设中的方法：以艺术介入日常生活，鼓励公众参与和共同创作，使在地文化成为持续生成的过程，而非静态的文化标签。她认为，真正的在地性来自长期关系的建立与共同经验的积累，美术馆应在城市文化中承担起连接、滋养与激活的责任。
A4美术馆馆长孙莉
晏燕以“破界共生：从白盒子到生态场”为主题，阐述了今日美术馆在讲述“当地故事”方面的实践与方法论转变。“当地”不再是被动呈现的对象，而是由美术馆、艺术家、公众与城市环境共同参与、持续书写的过程。
晏燕回顾了今日美术馆自北京啤酒厂锅炉房改造以来的发展历程，通过多个具有代表性的展览与项目，展现其在空间、媒介与协作方式上的不断突破。她重点提出“Between Space”策略，强调通过空间无界化、公共共创化与创作者赋能，重塑美术馆与城市的关系。在这一框架下，美术馆通过跨艺术门类、跨学科、跨媒介的协作，为艺术家提供技术与平台支持，使其成为连接传统与当代、个体经验与集体记忆的“故事转译者”。她以“今日艺术橱窗”“界面内外”等项目为例，说明美术馆正将艺术带入街区、橱窗与公共空间，使城市本身成为叙事发生的现场。同时，晏燕也强调数字技术在扩展在地叙事中的作用。
马豪提出“飞越城市、穿越校园、超越边界”的理念，强调越美术馆以艺术内容为载体，推动在地文化、当代艺术与教育、国际交流与城市发展的深度融合。通过“宁静之海”等在地主题展览、“回声”公益讲座、艺术疗愈与跨学科项目，以及“潮汐计划”等国际驻地与展览合作，越美术馆积极参与校园文化建设与城市公共文化生态。马豪强调，越美术馆希望成为激活校园与城市文化循环的“艺术活动发生器”，在打破艺术、教育与社会边界的过程中，构建一个开放、多元、可持续的艺术内容生态。
陈籽亦以START星美术馆的实践为例，分享了美术馆如何以“物证、思想与历史”为线索，讲述上海这座城市的复杂叙事。她谈到，美术馆并非脱离城市语境的展示空间，而是通过建筑、展览与价值立场，持续建构城市文化的参与者。
陈籽亦首先从美术馆所处的建筑谈起，START星美术馆原址为始建1900年的日晖港货栈，是中国近现代最早的海运转陆运铁路平台之一。从货运枢纽到铁路车站，再到当代美术馆，这一空间本身就是一件承载城市记忆的“物证”。通过对工业遗产的激活与再利用，美术馆让历史不再停留于叙述层面，而成为观众进入艺术现场的第一重体验。
在建筑体之外，陈籽亦重点介绍了START星美术馆以“四季开馆展”作为宣言式开启的策展策略。四个阶段的展览既彼此独立，又构成连续叙事。通过这一过程，美术馆逐步展开对上海城市精神的多维书写。陈籽亦强调，START星美术馆始终坚持以中国当代艺术研究为核心，同时将其放置于国际艺术语境中进行对照与讨论。她认为，美术馆应始终秉持“艺术永远站在人类个性这一边”的立场，在坚守独立与平等的同时，不断为城市文化注入思想与活力。
第六场论坛以“为什么设计师越来越爱当代艺术？”为主题，富艺斯中国区副代表许辰辰担任主持，邀请林镇（DPD逆加设计创始人/艺术藏家）、彭征（共生形态设计创始人/艺术藏家）、杨跃文（FILLSTUDIO创始人）和陆劲（Luking Home深诗设计创始人/Gad.studio创始人/广东省建筑装饰·设计协会副会长·党支部书记）四位嘉宾，共同探讨了过去几年间，当代艺术现场中日益活跃的新角色——“设计师”，是如何理解当代艺术，如何在收藏、策展与空间实践中与当代艺术互动的。
许辰辰首先以拍卖行从业经验开场，回顾了拍卖行业的历史发展与藏家在艺术市场中的核心作用，并指出在最近几年，能看到设计师与当代艺术交集的频率和强度令人影响深刻。在设计师与当代艺术的互动中，可以看到设计师在实践中不断受到当代艺术的启发，将艺术元素或思维融入自己的创作，无论是空间设计、品牌呈现，还是项目的核心创意，都体现了当代艺术对设计的直接影响。
林镇从自身经历谈起，虽然他是理工科的教育背景，但在香港和英国求学期间将大量的时间投入到艺术机构中，所以受到了很好的艺术熏陶。他的第一件作品来自巴黎的画廊，虽然当时并没有觉得这件作品很特殊，却是自己收藏的开端。此后，他开始持续关注当代艺术，并在设计实践中尝试将艺术作品融入空间。他强调，收藏经验与设计实践可以相互促进，为他提供持续的审美与创作启发。
彭征结合自己的求学和工作经验，谈到当代艺术与传统美院教育体系存在差异：美院强调标准化训练，而当代艺术倡导反标准和个性化表达。这种张力能够促使他在实践中解放创意，同时保留自身设计辨识度。彭征谈到，当代艺术对设计师的价值远超装饰或工具的功能，其核心在于提供审美教育和哲学启发，从而深刻影响空间构建与创作理念。
杨跃文结合职业经历谈到，酒店和商业空间为他提供了观察当代艺术的直接途径。在被问及更倾向于什么样的作品时，他从设计师的身份出发，给出了“更具有空间潜力的作品”的回复。他认为，艺术对他的启发并不是单一线性的。以唐纳德·贾德（Donald Judd）为例，这位艺术家也兼具多重身份，实际也为现在的设计师藏家树立了榜样。目前设计师群体也在以更强的自我驱动力，积极地参与到艺术生态的建构中。
陆劲以自身家庭背景为起点，回顾了自己与当代艺术的渊源。他指出，在空间设计实践中，设计师常同时兼具策展人、收藏者和空间创作者的多重身份，这种复合角色为创作提供了更广阔的视角与自由度。举例来说，他在设计实践中也尝试将当代艺术融入酒店及文物建筑改造项目，通过艺术作品的介入强化空间感与体验感。所以，收藏经验不仅是审美积累，更是设计灵感的重要源泉。
第七场论坛以“不止交易，湾区市场生态的构建与想象”为主题，由策展人、资深媒体人、《加密艺术年鉴》主编郭成主持，邀请胡霁文（万一空间联合创始人）、Krish Liang（Absent Gallery画廊创始人）、陈超（朔元Emerge创始人）、何映荷（安空间创始人）四位嘉宾对谈，聚焦湾区本土艺术市场的进阶之路，共同探讨如何超越以交易为核心的单一逻辑。
万一空间成立五年，这家位于深圳的画廊同时经营古代艺术和当代艺术。胡霁文坦诚分享了画廊早期理想化的商业模式，但她和合伙人也逐渐意识到市场对艺术家的理解与消费需要时间积累，而画廊必须在长期投入中持续承担风险。
在交流中，胡霁文特别强调出版物在画廊实践中的意义。她认为，展览往往具有时间限制，而出版物则是对展览、艺术家与作品的“二次策展”，不仅能延续展览的生命，也是一种阶段性工作的总结与回应，为艺术家、藏家及公众留下可持续的文化记录。结合在深圳多年的经验，胡霁文也谈到粤港澳大湾区艺术生态的影响。在她看来，这一地区呈现出更强的社区性与地域性连接，艺术实践与城市生活紧密交织，这种“在地而世界化”的经验，影响了万一空间对艺术与画廊角色的理解。
缺席画廊的实体空间于今年3月在广州落地，由Krish Liang和AnsonChen共同主理，团队规模极小。这种高度压缩的运作方式，在Krish看来不仅有效控制了成本，也让画廊在早期阶段建立起相对可预测的运营节奏。
她强调，缺席画廊并不试图为艺术家提供经验性的判断或创作指导，而是更关注艺术家如何基于自身身份、经验与时代感受展开研究型创作。在与艺术家的长期合作中，缺席画廊希望与艺术家共同塑造一种开放、流动的价值体系，而非固化的风格或立场。Krish认为画廊的角色并不只是展示与销售作品，而是在持续的对话中，与艺术家一起更新对于创作、时代与机构自身定位的理解。这种“共建式”的工作方式，也构成了缺席画廊最重要的实践方向。
陈超首先解读了“朔元Emerge”的含义，指出“朔”“元”“Emerge”都指向“原初”，也对应画廊同时关注当代艺术与世界范围内早期艺术的定位。他提到，古代艺术在市场结构上更接近二级市场，长期以来已在欧美形成较成熟的定价、研究与流通体系。而在中国，这一领域仍处于认知与渗透率较低的阶段。正是这种不成熟与未被充分理解，使古代艺术在中国具备重新建立商业与学术模式的可能性。
陈超进一步指出，当前艺术市场正进入一个全新的周期。技术与媒介的发展正在改变艺术交易的基础，使原本高度依赖在地性的“慢生意”逐渐走向更集中、更规模化的结构。同时，艺术品正从装饰性消费转向身份与文化认同的表达，成为个人与家族的重要精神资产。
何映荷分享了安空间从建筑艺术实践走向画廊身份的过程。安空间位于佛山的居民楼内，长期关注国际化语境下的影像与摄影实践，她本人也持续研究空间与影像之间的关系。早期，安空间并未以画廊自居，而是以实践平台的方式与艺术家合作，直到近年才逐渐意识到市场反馈对艺术家创作的反哺作用。
她坦言，安空间采取低成本模式，策展与执行工作多由团队自行完成，以降低运营压力。同时，安空间通过与北京伙伴的长期合作，面向北京、上海等市场展开工作，在地域实践与核心市场之间建立连接。她强调，安空间并不以地域或主题设限，而是关注具有国际视野的艺术实践。同时，她也希望未来能为更多年轻艺术家争取国际舞台的机会，尽管这一过程并不容易，但仍是安空间持续努力的方向。
在论坛的总结中，郭成指出，越来越多画廊与艺术机构开始主动介入公共教育与知识生产领域。过去，这类工作往往依赖美术馆或非营利机构背后的资金支持，而如今，画廊主理人也开始以情怀与长期投入参与其中。
他认为，这一转变标志着画廊角色的变化——不再只是交易的平台，而是逐步承担起文化建设与公共讨论的责任。在当下复杂的艺术生态中，画廊通过展览、出版、讨论与教育实践，正在形成一种介于市场与公共机构之间的新型文化力量。