本文来自微信公众号： Hi艺术 ，作者：一新
堆叠的铜质垃圾袋、半张脸埋入墙的面壁女人、凝视摇篮的秃鹫、鞭打自然的录像装置……来自广东的80后藏家Coobe Wang和妻子Sophia Luo，以不到十年的私人艺术藏史，迅速构建了一张“侵略性”的版图，上百件的藏品，都拥有一种锐利的解构能力，刺穿偏见，打破僵化。
“让艺术融入生活”成为小资情调的宣言时，Coobe的收藏行为，像是非要在舒坦的生活里，给自己找点不完美的“麻烦”。
甚至不需要看到他全部的藏品，只家中的一隅，你就知道这是相当奇崛的收藏景观。在客厅、厨房充斥着猎奇与怪异，甚至家门的入口也没有放过。
这种构建，当然会受益于Coobe从事广告创意行业中练就的敏锐直觉，但更关键的是来自于他与主流趣味之间保持的清醒距离的审美，抵抗住了流俗的收编，形成了有趣的、意味深刻的偏移。
他爱极限运动，爱打拳击，爱关注股市，爱在社媒发表一些评论后，加入与理性文案极其相反的解构意味的梗图。戏谑、跳跃，自成隐喻的体系，他像是比自己收藏的作品更熟谙先锋浪潮如何书写，最终这种张力的修辞，投射在他的收藏里。
Judit Kristensen《Nightmare nightclub》
Lukas Luzius LEICHTLE《Earned Never Given》
Coobe收藏里不附庸风雅、展现当下难揾的生猛意志，利弊权衡让位出一片空留地，变成对艺术的纯粹和对趣味的彰显。为收藏的艺术，成为了“为艺术的收藏”。
他让作品回到它们未被驯服的原始状态，它们“洪水猛兽”般破坏、混杂、冲撞，袒露一种未被束缚的野性生命力。
2025年12月在广州尚榕美术里，Coobe创立的Lastpiece_collection里的藏品，第二次面向公众展出。展览以“月亮不曾被鞭打”为题，来自保罗·策兰诗作《花冠》的灵感，“我们互看，我们交换黑暗的词/我们互爱如罂粟与记忆/我们睡去像酒在螺壳里像海/在月亮血的光线中。”这是对人类经验在广阔世界之渺小不足道的承认，也是面朝规训试图重塑的开端。
“月亮不曾被鞭打”展览现场
尚榕美术，2025
Julius von Bismarck《Punishment》
展览预告片里，《玩乐时间》式的AI生成画面是展览的另一层隐喻，揭露出纵情狂欢的当下社会下，被标准化个体的异化底色。
走入展览构建的充满“危险”的黑盒子空间，生态、身份、性别、劳动等议题不再是纸面文本，而是在闪烁的灯光、令人警觉的鞭打声中，变成对峙的现场。我们熟悉的风景，变成乖张无羁的浪头，拍打在由规训筑起的堤岸上。
Agung Kurniawan《Pontius Pilatus Syndrome》
收藏于此成为引路媒介，引导人们进入探寻存在的界域，寻求规训之外的属于本真的表达。
在对系统体制的叩问下，我们才发现，月亮从未属于过任何人，顺从的归化也并非人类天生，从众，不再是安全的选择。
这次展览，Lastpiece_collection呈现了占Coobe收藏很大比例的新媒体装置。在仍显年轻的艺术媒介史里，它们被赋予“生成”的特质，在时间、感知与技术的交错中持续演化出面朝未来、未被异化的敏锐态度，构成对现实结构与社会规训的提问式质询。
艺术家王溪曼现场表演
“月亮不曾被鞭打”开幕现场
尚榕美术，2025
而与这些藏品同质的，是在Coobe收藏体系里展现的未被固化的一种能力，就像德勒兹提及过的“孩童状态”，能对僵化体制、固定审美界域的解域——世界如果是太完美的虚假，不如用这种破坏，让它永不稳定，却始终真实。
在收藏的主流仍然是作为资产配置或者是价值投资的当下，像Coobe这样大手笔全部购入这类作品的收藏，在国内藏家里也是少见。
无论哪种门类作品的私人收藏，在符合审美趣味的同时，“价值稳定”总是要考虑的因素。所以面对什么藏家，先问一句“价值如何”是定调的基本问题。
发泡聚氨酯泡沫、水泥、树脂、环氧粘土、环氧凝胶、合成毛发、丙烯酸涂料、石英、钢、椰子壳、玻璃眼、纸、石墨、珍珠云母片和玻璃宝石2019
这种规范性提问，在Coobe这里同样被解构。
他面对这样的问题，总是会很爽朗地一笑，然后说“如果考虑保值升值，根本不会选择这个领域。”
这在收藏市场收缩甚至氛围倦怠时，Coobe的话，代表着没有意兴阑珊一群藏家。这种乐观，是超越简单的市场价值评判、对实验性媒体艺术在未来执掌语法的一种意义确认。
于是，他的展，他的家，再到他本人，层递下带来的堆积的讶异，除却震惊这跳出标准的收藏逻辑的同时，我们发现Coobe已经超越了一个简单的“藏家”身份，而更像是一个新兴艺术的“艺术赞助人”。
他从2018年第一次艺术收藏开始，到构建Lastpiece_collection，再到将这些小众甚至怪异的作品推向公众面前，是一次将热情押注审美的全情投入，也是在陪伴新兴艺术门类的成长。
靳山《无题》
140×50×40cm铁丝、钢丝2018
“仪式躯体”展览现场
广东时代美术馆，2024
David Altmejd《Crystal System》
72.4×44.5×43.2cm
发泡聚氨酯泡沫、水泥、树脂、环氧粘土、环氧凝胶、合成毛发、丙烯酸涂料、石英、钢、椰子壳、玻璃眼、纸、石墨、珍珠云母片和玻璃宝石2019
“仪式躯体”展览现场
广东时代美术馆，2024
在他的寓所里，作品的表达强度没有被削弱，而且拥有等同于展馆空间的展示价值与体验价值，除了主人自己的审美意志，还有延续、隐形的对这些“猎奇”艺术形式的推动。
少有人问津的荒原，更需要有人制定先行的路书，后来的旅人才会接踵而至。
Coobe在“仪式躯体”展览现场
广东时代美术馆，2024
所以当这些作品从私人场域被带入公共空间，与更广泛的视线相遇时，这些新鲜的作品，也自然完成了拓宽公众认知边界的意义生产。Coobe也成为了一位对于新兴的艺术作品而言意义不凡支持者，允许这些先锋的态度有时间，在尚未完全开垦的荒芜之地崛起。
那些流动与先锋的新兴艺术，市场尚未固定坐标，其实公众却早已开始追捧。在这样的矛盾之间，它们除了等待被估值之外，市场需要Coobe这样的藏家，先踏入属于实验性的图景，构建先于时间的收藏阵营。
当下价值的悬置，也正是自由的开始。
Hi艺术（以下简写为Hi）：收藏始于何时？你认为收藏的意义是什么？
Coobe Wang（以下简写为Coobe）：2018年巴黎之旅中，一次偶然的机会与当代艺术结缘。
我觉得收藏本身就是一场冒险，是与艺术品建立情感连接的过程。
Hi：为什么偏好雕塑、装置、媒体艺术等实验性作品？收藏脉络有过变化吗？
Coobe：我偏好具有强烈视觉冲击力和概念深度的作品。不完美的作品反而更有生命力。收藏脉络逐渐从雕塑、装置转向更广泛的媒介，但始终保持着对实验性作品的关注。
Hi：一般在哪里发现作品？艺博会、画廊、朋友推荐还是缘分使然？
Gabriel Rico《Who reckons the close of his life among the boons of the nature?(The Jealous God)》2018
Hi：为什么创立Lastpiece_collection？名称有何含义？
Coobe：Lastpiece_collection的创立源于我们对当代艺术的热爱和独特的审美趣味。名称“Lastpiece”寓意着收藏的最后一块拼图，但是永远都缺最后一件。我们希望通过“非标准化收藏”来展现新一代藏家对艺术价值的重新思考。
Hi：如何定义收藏的“成功”？市场估值是否重要？是否会出售作品？
Coobe：收藏的成功在于作品能否带来情感共鸣和精神滋养。而非单纯的市场价值。我们的出发点很单纯只买自己喜欢且审美情趣高级的作品。升值贬值不在考虑范畴。要赚钱也不能选当代艺术这个标的吧？流动性这么差。
是否会出售作品，则取决于个人情感连接和收藏策略。绝大部分的作品是不会出售的。
Lastpiece_collection借展作品
冯骏原《驹马》
“DimSum——收藏的故事”展览现场
魔灯院ART CONNEXION空间，2025
Hi：收藏决定是凭直觉还是其他因素？与职业、专业有关吗？
Coobe：直觉在收藏决策中扮演着重要角色，但也会结合对艺术家背景、创作理念的理解。我作为创意背景出身，更关概念；Sophia则对技术细节更为敏感。
Hi：最近收藏的展品中，有没有特别偏爱或符合Lastpiece_collection价值观的作品？它们是靠什么打动了你？这些创作有没有共同聚焦的议题？
Coobe：最近有收藏薛萤、任莉莉、张云垚、Diego Zelaya的作品。
我最近的收藏恰好形成了一个有趣的对话场域：薛萤的影像、任莉莉的雕塑、张云垚的“反绘画”以及Diego Zelaya探讨身体在跨文化的迁徙，虽然媒介各异，但都围绕着身体作为记忆的载体、劳动作为时间的仪式、空间作为情感的容器这三个维度展开。
Hi：“月亮不曾被鞭打”与Lastpiece_collection的上一个展览“仪式躯体”相比，两个展览的侧重点有何不同？
Coobe：“仪式躯体”更侧重于身体与身份的象征性表达，而“The月whip’s亮shadow不never曾touched被the鞭moon打”则更加聚焦于身份、性别、社会规训等具体现实层面，试图通过微观叙事探讨宏大主题。
Hi：黑色空间在此作为沉浸式的“黑盒子”，想要描绘怎样的氛围？
Coobe：首先黑色空间旨在创造一个私密、沉思的环境，让观众在感官的剥夺中提高对其他感知的敏感度，从而更深入地体验作品所传达的情感与思想。
其次作品95%都是装置、雕塑和影像。它们更适合在黑色空间展示。
“月亮不曾被鞭打”展览现场
尚榕美术，2025
Francis Alÿs《Looking Up》
Hi：这次公众呈现的展览对于作为私人收藏体系的Lastpiece_collection意味着什么？
Coobe：Lastpiece_collection通过支持非营利艺术机构，参与到地方艺术生态建设中。当藏品从家庭的“半公共”场域走向大众视野，它经历了一次意义的重新激活。策展行为如同一次“二次创作”，为作品注入了新的语境与生命力。
Coobe：包括艺博会、画廊、朋友推荐以及艺术家工作室的探访。偶然的机会，如在巴黎跳蚤市场遇到艺术家作品，也成为收藏故事的一部分。Hi：有些藏家可能不会像你这样把家真正作为一个极具展示性的空间去做，你觉得对于收藏者来说，家意味着什么？
Coobe：收藏不是囤积，而是让作品与家人的生活史共同生长。一件作品在十年间被观看的角度、在节日聚会时引发的谈话、甚至孩子对它的好奇触摸，都在不断为作品叠加新的、私密的叙事层。家，让艺术收藏从高高在上的“物权”变成了烟火人间的“事态”。
Hi：总结去年一年的收藏，与以往相比有什么变化？
Coobe：收藏行为与展览策划的结合更为紧密。开始有意识地为未来可能的公共呈现而收藏，思考藏品在特定策展叙事中的位置与功能。这标志着收藏从终点（拥有）转向起点（对话与生产）。
Hi：你认为影像、雕塑乃至实验艺术收藏、艺术市场正处于怎样的阶段？
Coobe：相比架上绘画，影像作品价格更亲民，成为初入艺术市场藏家的“敲门砖”。尽管尚未有国家级影像美术馆，但私人美术馆和机构正积极构建收藏体系。
网络与教育背景的改变，让许多年轻藏家不再局限收藏传统绘画，而是将绘画与装置、行为、影像等媒介结合，形成更复杂的观念表达。这种“非标性”的收藏方式，正在模糊雕塑与其他艺术门类的界限。
Hi：看到你在2025年末的K11“DimSum—收藏的故事”也有支持与展出作品，你认为广州藏家的收藏“口味”有何地域特性？这种地域性藏家群体凝聚的价值何在？
Coobe：广州当代艺术藏家的“口味”是这座城市经济性格与文化基因的缩影。广州、深圳、佛山、东莞藏家从分散到凝聚的过程，正是广州乃至大湾区当代艺术生态破局的关键。
深圳已经走在了前面，画廊数量激增、艺术周规模扩大、深二代艺术家崛起、新型美术馆模式探索——这些都在重塑城市的艺术版图。
Coobe与Sophia
“DimSum——收藏的故事”展览现场
魔灯院ART CONNEXION空间，2025
Hi：你认为你聚焦的收藏品，对于更广泛藏家群体的主要门槛是什么，认知成本、空间要求或是市场流通性？
Coobe：真正的门槛从来不是价格，而是如何让艺术融入日常生活。
认知成本是最隐蔽的杀手，因为“阅读美”能力并非与生俱来。空间要求是最现实的障碍，而市场流通性则是最直接的痛点。
想赚钱就别来收藏当代艺术了，最后只会搞得里外不是人。
Hi：未来想让Lastpiece_collection发展什么？借展、主办更多的展览、把私人空间开放给大众还是专注于自己收藏体系的扩大？
Coobe：暂时没有去规划以后的事。只是想做一些好玩的项目，用新的角度去诠释自己的收藏。比如这次展览前呈现了一条由AI制作的展览预告片，这也许是国内当代艺术展览第一次。我们也在试探AI和艺术的边界。这个边界很微妙很好玩。
Hi：是否想过自己收藏的社会属性，拓宽观者的认知边界、推动这些比较“小众”“奇怪”的艺术品走向更广泛的视野？
Coobe：我们实际上是在进行一场温和的文化革命。他们不是在迎合现有审美标准，而是在拓展认知边界。展览不是取个好听的名字，找几件作品一挂就行的。它是一场需要策展人具备跨学科知识、项目管理能力和深厚人文关怀的系统工程。从确立主题到空间叙事，从媒体传播到观众体验，每一个环节都至关重要。
Cinga Samson《Ukuthukuthezelelwa I》
Hi：根据你的观察，你认为去年一年的收藏及市场风向有什么值得总结的，未来中国的私人收藏生态会怎样演变？
Coobe：2024-25年全球艺术市场销售额整体下滑12%，高端市场收缩，但中低价位交易活跃。在此背景下，成熟的收藏实践可能更倾向于：系统性补全已有收藏脉络中的关键作品，而非盲目追逐热点；支持中生代与新兴艺术家，在可控成本下探索未来价值。
我们未来的收藏，或许将更少关注“拥有什么”，而更多关注“如何讲述”——如何通过藏品的组合、研究与展示，参与到当代文化话语的构建之中。这要求我们不仅具备敏锐的审美眼光，更需拥有清晰的学术视野、策展思维以及与机构协同工作的能力。